La Mona Lisa de Leonardo es una de las pinturas más famosas del mundo. Hoy está en el Louvre en París, pero fue producida en Florencia cuando Leonardo se trasladó allí para vivir desde aproximadamente 1500-1508. A veces se le llama La Jaconde en francés (o en italiano, La Giaconda) porque se cree que es el retrato de la esposa de “Francesco del Giocondo”, cuyo nombre era Lisa (Mona = abreviatura de "Madonna" (mujer). Esta identificación fue proporcionada por Vasari en el siglo dieciséis, pero esto luego fue cuestionado. Es probable que la incertidumbre sobre la identificación de la modelo se haya sumado al misterio y al atractivo que rodea a esta pintura a lo largo de los años.

              

Según Vasari, la pintura no se terminó en el transcurso de cuatro años, lo que puede haber resultado en la diferencia en el craquelado (nivel de agrietamiento en la superficie) en la cara y en las manos. El retrato muestra lo que parece ser un retrato típico de una mujer en el que su riqueza no es lo principal en la exhibición. Está velada, sus manos están cruzadas, y tiene una leve sonrisa, o una expresión que se hace pasar por una sonrisa, que parece capturar la mirada del espectador.

La forma en que Leonardo pintó este retrato se desvió de la forma tradicional en que las mujeres fueron pintadas así en Italia. Mona Lisa nos mira directamente a nosotros, los espectadores, lo cual era algo poco convencional para una mujer en un retrato en ese momento. También parece más bien contenida y segura en su comportamiento, lo que refleja más las expectativas de la aristocracia entre los hombres que entre las mujeres. Además, hasta este momento, los retratos de hombres y mujeres solían cortarse en el centro del torso y las manos se levantaban para que la cabeza, la cara y los hombros ocuparan más el panel sobre el que se aplicaba la pintura. Aquí, sin embargo, el retrato muestra no solo la cabeza y la parte superior del torso de la mujer, sino gran parte de su cuerpo hasta justo debajo de su cintura. Vemos todos sus brazos, que no están levantados sino descansando cómodamente en los apoyabrazos de su silla. La implicación de este tipo de vista es que estamos viendo a la persona completa, en lugar de solo una pizca de ella. El enfoque de Leonardo era innovador y comenzaría una tendencia en la pintura de retratos que influiría en la pintura europea hasta el siglo XVIII.

La manera en que Leonardo ha representado el cuerpo de la mujer es nada menos que extraordinario, y realmente revela el salto adelante en el nivel de naturalismo que los pintores italianos hicieron entre 1400 y 1500. Leonardo hace uso de su técnica de sfumato para mostrar cómo la luz rebota de su piel en ciertos lugares mientras deja otras partes en sombras más oscuras. Su piel parece ser suave y lisa, y se ve como una mujer real, aunque quizás algo idealizada, que se vería verdadera frente a nosotros. La habilidad de Leonardo en esta pintura impresionó particularmente al pintor e historiador del siglo dieciséis Vasari, que tenía lo siguiente para decir al respecto:

“En este sentido, quien quiera ver cuán estrechamente el arte puede imitar a la naturaleza, puede comprenderlo con facilidad; porque en ella se falsificaron todas las pequeñeces que con sutileza pueden ser pintadas, viendo que los ojos tienen ese lustre y brillo acuoso que siempre se ven en la vida, y alrededor de ellos estando todos esos tintes rosados ​​y nacarados, así como las pestañas, que no pueden ser representadas sin poseer la mayor sutileza. Las cejas, a través de haber mostrado la manera en que los vellos brotan de la carne, algunos más cercanos y otros más escasos, y curvados según los poros de la piel, no podrían ser más naturales. La nariz, con sus hermosas fosas nasales, rosadas y tiernas, pareciendo estar viva. La boca, con su abertura, y con sus extremos unidos por el rojo de los labios a los tintes de carne de la cara, pareciendo, en verdad, no ser colores sino carne. En el fondo de la garganta, si uno la mira fijamente, se podría ver el latido de su pulso. Y, de hecho, se puede decir que fue pintada de tal manera que haga temblar y descorazonar a todo valiente artesano, sea quien sea”.

Además del naturalismo en la figura, la pintura incluye un fondo que nos proporciona un marcado contraste. Leonardo ha colocado a Lisa contraria a un vasto paisaje. La logia original en la que se encontraba se cortó, pero aún se puede ver la base de los soportes verticales a cada lado de ella (en los bordes derecho e izquierdo de la pintura). Si miramos por encima del hombro hacia el lado izquierdo, vemos un camino que lleva a la distancia, y las montañas pintadas de una manera que parece similar, al menos en algún nivel, a la pintura paisajística china de los siglos precedentes. En el lado derecho, podemos ver un puente y un camino que conduce al mar en la distancia. Es en este vasto paisaje que encontramos una yuxtaposición convincente en esta pintura. Tenemos directamente frente a nosotros una mujer tangible que está en el mundo del aquí y el ahora. Ella parece real para nosotros, una figura muy realista. Detrás de ella tenemos un vasto paisaje que se adentra en distancias incognoscibles, y parece continuar en una especie de neblina brumosa. El contraste entre la mujer y el paisaje de fondo es, por lo tanto, bastante notable, y se presta al poder de la pintura.

En general, la Mona Lisa es una obra maestra en la pintura de retratos que ha resistido la prueba del tiempo y continúa inspirando y asombrando a los visitantes del Louvre de todo el mundo. Sin embargo, si lo consideramos aparte de su papel actual como un icono principal de la cultura pop en el mundo moderno, podemos ver cómo esta obra innovadora habría creado una impresión en los contemporáneos de Leonardo en el siglo dieciséis. Es en este contexto de la historia que la Mona Lisa realmente brilla como una obra de genio que causó que Vasari prodigara tanto elogio.

Leonardo’s Mona Lisa is one of the most famous paintings in the world.  Today it is in the Louvre in Paris, but it was produced in Florence when Leonardo moved there to live from about 1500-1508.  It is sometimes called La Jaconde in French (or in Italian, La Giaconda) because it is believed to be the portrait of the wife of “Francesco del Giocondo”, whose name was Lisa (Mona = short for “Madonna” (lady).  This identification was provided by Vasari in the sixteenth century, but this was later disputed.  It is likely that the uncertainty over the sitter’s identification has added to the mystery and lure surrounding this painting over the years.

According to Vasari, the painting was not finished over the course of four years, which may have resulted in the difference in the craquelure (level of cracking on the surface) in the face and in the hands.  The portrait shows what appears to be a typical portrait of a woman in which her wealth is not primary thing on display.  She is veiled, her hands are crossed, and she has a faint smile  – or some expression masquerading as a smile – which seems to capture the viewer’s gaze.

The way Leonardo painted this portrait deviated from the traditional way women were painted like this in Italy.  Mona Lisa looks directly out at us, the viewers, which was something unconventional for a woman in a portrait to do at this time.  She also appears rather content and assured in her demeanor, which reflected more the expectations of the aristocracy among men rather than among women.  Further, until this point in time, portraits of both men and women were typically cut off in the middle of torso and hands were raised so that we the head and face and shoulders occupies more of the panel upon which the paint was applied.  Here, however, the portrait shows not only the woman’s head and upper torso, but much of her body down to just below her waist.  We see all of her arms, which are not raised up but resting comfortably on the armrests of her chair.  The implication of this kind of view is that we are seeing the entire person, rather than just a sliver of her.  Leonardo’s approach was innovative and would start a trend in portrait painting which would influence European painting into 1800s.

The way Leonardo has rendered the body of the woman is nothing less than 

extraordinary, and it truly reveals the jump forward in the level of naturalism that Italian painters made between 1400 and 1500.  Leonardo makes use of his sfumato technique to show how the light bounces off her skin in certain places while leaving other parts in darker shadows.  Her skin appears to be soft and smooth, and she looks quite like a real, though perhaps somewhat idealized, woman would look like right in front of us.  Leonardo’s skill in this painting particularly impressed the sixteenth-century painter and historian Vasari, who had the following to say about it:

“In this head, whoever wished to see how closely art could imitate nature, was able to comprehend it with ease; for in it were counterfeited all the minutenesses that with subtlety are able to be painted, seeing that the eyes had that lustre and watery sheen which are always seen in life, and around them were all those rosy and pearly tints, as well as the lashes, which cannot be represented without possesing the greatest subtlety. The eyebrows, through his having shown the manner in which the hairs spring from the flesh, here more close and here more scanty, and curve according to the pores of the skin, could not be more natural. The nose, with its beautiful nostrils, rosy and tender, appeared to be alive. The mouth, with its opening, and with its ends united by the red of the lips to the flesh-tints of the face, seemed, in truth, to be not colours but flesh. In the pit of the throat, if one gazed upon it intently, could be seen the beating of the pulse. And, indeed, it may be said that it was painted in such a manner as to make every valiant craftsman, be he who he may, tremble and lose heart”.

Apart from the naturalism in the figure, the painting includes a background which provides us with a stark contrast.  Leonardo has placed Lisa against a vast landscape.  The original loggia she was under was cropped out, but you can still see the base of the vertical supports to either side of her (at the right and left edges of the painting).  If we look over her shoulder to the left side, we see a road that leads to distance, and mountains painted in a way which seems similar – at least on some level – to Chinese landscape painting of the preceding centuries.  On the right side, we can see a bridge, and a road which leads to sea in the distance.  It is in this vast landscape that we find a compelling juxtaposition in this painting.  We have directly in front of us a touchable woman who is in the world of the here-and-now.  She seems real to us – a very lifelike figure.  Behind her we have a vast landscape which goes off into unknowable distances, and seems to continue on into a type of misty haze.  The contrast between the woman and the background landscape is therefore quite remarkable, and it lends to the power of the painting.

Overall, the Mona Lisa is a masterpiece in portrait painting which has stood the test of time and continues to inspire and amaze visitors to the Louvre from around the world.  Yet, if we consider it apart from its current role as a leading icon of pop culture in the modern world, we can very much see how this innovative work would have created an impression on Leonardo’s contemporaries in the sixteenth century.  It is within this context of history that the Mona Lisa truly shines forth as a work of genius which caused Vasari to lavish so much praise.